Risuonano dentro il Rivellino le “emanazioni magmatiche” di Emma Nilsson
Il centro culturale “il Rivellino Leonardo da Vinci” diretto da Arminio Sciolli ha realizzato una bella mostra che si può visitare online. Due famosi artisti Stephan Spicher e Jesús Rafael Soto – il secondo defunto, il primo ben vivo – accompagnati dalle musiche originali della compositrice svedese Emma Nilsson danno vita a uno spettacolo raffinato e profondo.
Il Rivellino – antro medievale, misterioso, sassoso – ospita le opere nel suo ventre e l’effetto (virtuale) è accattivante. Ho intervistato per voi Stephan Spicher ed Emma Nilsson.
Interviste di Francesco De Maria.
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Francesco De Maria Che cosa può dirci delle sue opere esposte “in remoto” al Rivellino? Sono di recente creazione?
Stephan Spicher Per questa mostra abbiamo scelto immagini che contrastano con le opere di Raphael Soto. La mia serie di muri di cenere, una serie che ho fatto negli anni ’80 era adatta a questo abbinamento. Rappresenta l’era della pittura informale. Soto ha cercato una contrapposizione all’arte informale con le sue fragili istallazioni opart.
Inoltre, con i “muri di cenere” ho un legame con il Ticino, perché li ho realizzati in Valle Maggia e sono stato fortemente coinvolto dalla natura minerale di questa regione.
Gli effetti visivi della presentazione sono molto interessanti. E c’è una composizione musicale che accompagna la mostra, ad opera di “Magmatic Emanation”. Chi ne è l’autore?
La compositrice svedese Emma Nilsson [v. intervista seguente]
Quando ha incontrato per la prima volta Arminio Sciolli? Quali progetti ha realizzato con lui?
Ho incontrato per la prima volta Arminio Sciolli nel 1998 a San Pietroburgo, in Russia. Abbiamo preparato, io e Iseli, con tre artisti ticinesi – Lucchini, Bellini e Casè – la grande mostra al Museo Statale Russo. La mostra era importante perché era la prima volta che artisti svizzeri esponevano in questo museo dopo l’apertura della Russia. Ha avuto luogo nell’ambito della celebrazione dei 300 anni della fondazione della città di San Pietroburgo, e dell’arte ticinese perché all’epoca i piani architettonici furono disegnati da architetti ticinesi.
Ho poi sviluppato molto le mie relazioni con la Russia in seguito a questa mostra e ho incontrato Arminio Sciolli molte volte in Russia. Egli ha seguito e in parte accompagnato il mio sviluppo, perché è molto interessato alla Russia. Ne è nata un’amicizia molto preziosa. Dopo aver aperto il Rivellino con Bob Wilson, mi ha chiesto di fare la mostra successiva con “blossom”
Quali sentimenti risveglia in lei quell’antro sassoso e tenebroso che è il Rivellino Leonardo da Vinci?
Naturalmente, questo posto ha la magia di una stanza disegnata da un artista eccezionale. Il fatto stesso che Leonardo si sia occupato di questa stanza la rende speciale. Questa è storia e la proporzione è leonardesca. La funzione di questo edificio è una storia piuttosto deprimente. Perché è un luogo da cui è si sparava, un luogo di difesa e di guerra.
Ecco perché ho portato i miei disegni in plexiglas alla mia prima mostra “blossom”, volevo dare una contro-posizione a questa cupezza. Volevo portare qualcosa di positivo, e ho portato la fioritura.
Ci descriva con sue parole la Valle Maggia, la sua casa, la sua giornata.
Sono nato a Basilea e ho frequentato la scuola e l’università lì, ma ho vissuto in Valle Maggia per mesi ogni anno perché mio padre lavorava come mineralogista in Ticino. Per me, questa valle è stata il luogo di migliaia di storie, esperienze e impressioni fin dall’infanzia. Lei può immaginare che negli anni 50 Maggia era un posto diverso da oggi, molto più arcaico. Le Alpi erano abitate in estate e le mucche camminavano sulla strada nazionale.
Mio padre mi ha insegnato a leggere la natura, in modo scientifico e molto completo. E questa natura è rimasta, è ancora della stessa potenza e bellezza di allora. Come artista vivo dell’energia che questa natura irradia. Prendo dei motivi da essa, precisamente i “muri di cenere”, la serie dei “fiori” e la realtà dell’appassire, dell’appassire. Sono tutte osservazioni e realtà molto elementari che sono presenti qui e con le quali vivo e lavoro.
Il tempo che trascorro lavorando qui consiste principalmente nell’osservare, disegnare, fotografare, essere continuamente attento a questo elemento. Vivo molto ritirato qui e lavoro intensamente e costantemente.
Ho una bella casa e uno studio a Maggia, che non è grande. Così mi preparo qui, faccio lavori su carta, poi realizzo i lavori in grande nel mio grande studio a Basilea o nello studio a San Pietroburgo.
In Valle Maggia la cosa più importante è la preparazione, la ricerca di nuovi gruppi di opere.
Negli anni 80, quando vivevo qui stabilmente, ho dipinto i “muri di cenere”. Quella è un’epoca molto importante per me, anche una storia personale. Ma da circa 3 anni lavoro alla serie “elementali”, opere più grandi su carta quasi tutte in Maggia. Ho bisogno di questo umore, di questa luce e di questa energia.
Lei ha percorso una lunga vita d’artista. Come è mutato nel tempo il suo stile e come definisce la sua tendenza attuale?
Dal 1982 ho sempre lavorato in grandi gruppi di opere, iniziando in bianco e nero con i “muri di cenere”. Ho l’impressione che ognuno di questi gruppi di opere si sia sviluppato dall’altro. Di solito andavano avanti per circa 10 anni. Volevo solo continuare e non volevo ripetermi troppo spesso e celebrare uno stile. I temi rimangono nell’osservazione approfondita della natura. Intendiamo vedere molto ma non vediamo tutto. Per esempio, ora a febbraio c’è un’incredibile energia nel processo di crescita della natura ma tutto ciò che vediamo è grigio e rami spogli. Questa curiosità per l’invisibile mi ha sempre affascinato, in tutte le epoche di lavoro. Forse è anche l’antitesi della mia educazione scientifica. In questo momento, e sono gli ultimi 15 anni, sono sul tema del “fiorire e svanire”, un tema che può essere applicato alla natura e alla propria storia e biografia. Vedere la bellezza in tutte queste fasi. Penso che questo tema dia un’affermazione positiva e susciti molta curiosità.
Leggendo la sua biografia artistica ho osservato che i materiali hanno una importanza notevole nella sua tecnica creativa. Ci parli dunque dei suoi materiali.
Nell’arte, la materia/materiale viene sempre trasformata fino ad assumere varie forme. In passato, l’apprendista macinava il lapislazzuli fino a farlo diventare polvere, lo mescolava con l’olio e lo usava per dipingere il manto della Madonna.
Sono sempre stato affascinato dai materiali. Fa differenza se traccio una linea con l’inchiostro o con una matita. La forma diventa diversa, l’espressione diventa diversa. Ecco perché ho usato materiali diversi nei diversi periodi, volevo entrare in un’espressione più leggera e acquosa dopo i “muri di cenere”, molto materici.
Quali le mostre più importanti da lei realizzate nel Ticino?
Per me, tutte le mostre in Ticino sono state importanti. La prima è stata alla galleria l’Immagine di Mendrisio. Sia nei musei che nelle piccole gallerie, mostri un aspetto del tuo lavoro e comunichi con persone che non hai mai visto prima. Sicuramente la mostra al Rivellino è stata molto speciale e anche nel 2019 la mostra a casa Rusca.
Lei ha viaggiato parecchio per il mondo. Quali paesi e quali culture hanno maggiormente influenzato la sua arte?
Per l’arte, certamente l’Italia – studiare a Firenze il Rinascimento è stato fondamentale per capire la pittura. Più tardi, il Giappone divenne molto importante per me, nella sua presenza estetica e nella sua semplificazione.
L’Indonesia, dove sono stato molto spesso e dove ho potuto anche realizzare progetti artistici, è arcaica e molto stimolante. Selvaggio ma molto creativo.
Come sta vivendo, da artista, i tristi tempi del lockdown?
The Lockdown è davvero una storia molto triste. E la cultura ne soffre enormemente. Tutte le mostre sono state cancellate, la grande retrospettiva del Museo Russo e anche un tour con famosi musicisti jazz in combinazione con un’esposizione di disegni. Certo, all’inizio, un anno fa, ero molto preoccupato e bloccato. Poi ho ritrovato il ritmo. Nello studio sono comunque solo e lavoro per me stesso ogni giorno. Lo faccio anche adesso, e c’è qualcosa di molto bello nella quiete.
Quale sarà la prima cosa che farà, passata la pandemia?
Andrò a trovare mio figlio che vive negli Stati Uniti e vedrò in che condizioni è il mio studio a San Pietroburgo. Quando sarò a Basilea sicuramente attraverserò il confine con la Francia e comprerò delle buone specialità francesi. Un buon concerto è la cosa che aspetto di più!
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Francesco De Maria Questa esposizione virtuale Soto-Spicher è la sua prima occasione di collaborare con il Rivellino e Arminio Sciolli?
Emma Nilsson Sì.
Chi era il famoso artista Jesús Rafael Soto e come si può definire l’Arte cinetica?
L’arte cinetica è un termine usato per l’arte che si riferisce al movimento. L’interesse per la creazione del movimento nelle opere d’arte si è sviluppato all’inizio del XX secolo e successivamente, negli anni ’50, è diventato un movimento. C’erano diversi modi per far muovere l’arte, ad esempio integrando l’idea del tempo, o usando congegni meccanici, o esplorando le idee della visione.
Jesús Rafael Soto è stato uno degli artisti cinetici più famosi e prolifici. Proveniente dal Venezuela, è stato influenzato dalla fortissima tradizione dell’arte astratta in Sud America e ha portato con sé questa visione raffinata quando si è poi stabilito a Parigi.
Certamente ha avuto diverse fasi nel corso della sua vita artistica, ma personalmente trovo che le sue opere si distinguano per un’incredibile finezza, leggerezza, una sottile vibrazione. Adoro la sua capacità, in particolare nelle sue grandi installazioni, di essere apparentemente in grado di sfidare la gravità.
Ci parli delle sue creazioni musicali. Sono di tipo tradizionale o, al contrario, innovative? Hanno una buona sinergia con l’arte visiva?
Non è necessario vedere la tradizione e l’innovazione come opposti. Creare all’interno di una tradizione e andare avanti al suo interno può essere molto innovativo. Inoltre, innovazione è un termine molto diffuso. Si dice che molte cose siano innovative e spesso mi chiedo cosa le renda effettivamente tali. Spesso può significare solo contemporaneo. Tuttavia, credo che cercare di guardare al futuro, proiettarsi in esso, tentare di plasmarlo, sia altamente gratificante e stimolante. E davvero cruciale per il benessere di tutti noi, per i nostri interessi comuni. Lo dico pienamente consapevole del gioco del tempo. Proiettarsi nel futuro è la stessa direzione che guardare al passato. Il futuro diventa istantaneamente passato.
Nel mio progetto audiovisivo Transhuman Art Critics (insieme a Emil Schult, Lothar Manteuffel e Max Dax), la musica e le arti visive vanno di pari passo. Oggi, il nostro intero mondo funziona con il suono e l’immagine combinati, dobbiamo solo aprire i nostri telefoni. Quindi, in un certo senso, trovo naturale che la musica e l’immagine siano in relazione l’una con l’altra. Forse dopotutto abbiamo tutti una percezione sinestetica ma non ne siamo consapevoli.
L’accompagnamento musicale che lei ha composto ha una stretta relazione con le opere di Soto in mostra? Se sì, può definire tale relazione?
Questo brano è stato composto appositamente per le opere di Soto. Allo stesso tempo, ho cercato di considerare che doveva adattarsi a una situazione molto particolare in cui guardiamo la mostra sui nostri schermi, navigando con la tastiera per orientarci e muoverci nello spazio espositivo.
Quindi, mentre intende dare qualche motivazione per soffermarsi effettivamente sulle opere d’arte e contemplarle per un momento, è una musica che cerca di catturare lo spirito dell’arte di Soto più di mezzo secolo dopo che le opere sono state create. Il mio desiderio era di evidenziare la vibrazione sottile e sempre leggermente alterante delle opere. Soto ha esplorato l ‘”arte seriale”, dove la ripetizione gioca un ruolo principale. Era anche molto ispirato dalla matematica e dalla musica, poiché li considerava i campi più interessanti e avanzati per trovare prospettive su ciò che effettivamente significa astrazione.
Nello stesso periodo, nella musica interessi e domande simili portano alla “musica minimale”. È stato un tentativo di superare il tempo e creare un senso di eternità. Hanno raggiunto questo obiettivo con sottili cambiamenti negli schemi ripetitivi, fondamentalmente molto simili all’arte di questo tempo. Tuttavia, a rigor di termini, il mio pezzo non è musica minimale, ma di sicuro attinge ad essa.
A proposito, Soto stesso era un musicista. Era un acclamato chitarrista e nei suoi primi anni si guadagnava da vivere con la musica. Per quanto ho letto, ha persino studiato musica seriale.
Che cos’è una “magmatic emanation”? Ha a che fare con i vulcani?
È un termine in vulcanologia, una bellissima immagine letterale e metaforica, e anche un gioco con il mio nome.
Il misterioso e sassoso Rivellino può ispirare una composizione musicale? O addirittura può farlo lo stesso Leonardo da Vinci?
Qualsiasi spazio può ispirare, ma poiché il Rivellino ha un’atmosfera molto speciale e unica, è un luogo molto invitante per le arti. Il progetto Transhuman Art Critics (Critica d’arte transumana) in realtà lavorano su un pezzo relativo a Da Vinci. Il Maestro desiderava che i grandi sogni dell’umanità si realizzassero: con le sue macchine volanti ci ha posto le basi per volare come uccelli, con il suo sottomarino ci ha posto le basi per nuotare sott’acqua come pesci. Non sarei sorpresa se avesse anche idee su come vincere la morte. Immagino che sia l’ultimo sogno che noi umani non abbiamo ancora realizzato.
Che cosa apprezza maggiormente del Ticino e di Lugano?
Apprezzo tante cose qui. Provenendo dall’arte e dalla musica, sono affascinato dalla storia piuttosto nascosta di tante persone assai influenti in tutti i campi culturali che hanno vissuto in Ticino, in particolare dai primi del ‘900. Sono assolutamente sbalordita sentendo parlare delle vite ticinesi di personalità influenti come Emmy Hennings, Hugo Ball, Hans Richter, Hermann Scherchen, Elisabeth Schwarzkopf, Meret Oppenheim, Patricia Highsmith, Douglas Sirk, Sven Nykvist e Robert Palmer … Hanno tutti dato forma al loro tempo. Ce ne sono così tante altre da aggiungere, senza parlare di alcune delle persone veramente eccezionali, in particolare nel campo della musica, che vivono qui oggi.
Che giudizio dà della vita culturale odierna nel Ticino? È forse inferiore rispetto a un passato in cui era frequentato da grandi artisti?
Ho l’impressione che storicamente la vita culturale in Ticino sia stata per lo più dispersa e non abbia mai veramente composto una ‘scena’, a parte la comunità del Monte Verità. Trovo molto stimolante vedere che molto sta crescendo culturalmente, in particolare nelle giovani generazioni. E certamente istituzioni come Masi, LAC, Locarno Film Festival ma anche Museo Vincenzo Vela, Museo Villa dei Cedri e tante altre hanno un potere magnetico.
Quanto è dannosa la pandemia alla causa dell’arte?
Una crisi è per molti versi sempre un’opportunità per qualcosa di buono o migliore. Molti artisti e gallerie stanno soffrendo gravemente e necessitano di un solido sostegno per poter continuare a fornire il loro contributo cruciale a una società funzionante. Dalla mia impressione, molti cercano nel miglior modo possibile di trovare nuove strade e di aprirsi nuove possibilità. Nel mondo dell’arte una cosa è certa, la presenza digitale dell’arte e anche l’aspetto commerciale di essa rimarranno e assumeranno un ruolo più dominante e accettato di prima. Ci sono molte nuove piattaforme per mostrare, comunicare e anche per vendere e acquistare arte. E proprio ora mentre sto scrivendo queste righe, l’hype NFT è in pieno svolgimento e coperto da tutte le notizie. Nelle arti performative la situazione è sicuramente diversa e molto più difficile. Ma anche qui c’è molto impegno per creare nuovi percorsi. Possa l’immenso sforzo essere ricambiato e diventare fecondo e fertile per gli attori, gli artisti, i ballerini, i musicisti, gli scrittori e gli artisti!
Interviste esclusive di Ticinolive